Crítica de arte

Exposición "MarotoLar" en el Ateneo

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Exposición "MarotoLar" en el Ateneo

Rosa Maroto expone su serie pictórica “MarotoLar” en el Ateneo de Madrid
 
Julia Sáez-Angulo
 
 
07/05/15.- MarotoLar es el título de la exposición de la pintora Rosa Maroto en la sala de exposiciones del Ateneo de Madrid. La muestra, que permaneció abierta hasta el 14 de mayo de 2015, es el trabajo continuado en la pintura durante los tres últimos años en su estudio.
 
Rosa Maroto (Madrid, 1966), que se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, ya había expuesto en el Ateneo madrileño en marzo de 2012.
 
La trayectoria plástica de 40 años de Rosa Maroto ha pasado por la abstracción, el expresionismo y el “pop surrealista” en esta última exposición, en la que la autora da muestra de su gran colorismo y capacidad dibujística para plasmar una serie de personajes humanos de corte entre grafitero, cómic, dibujos animados y surrealistas.
 
Los temas abordados en la obra son diversos desde la memoria, el Alzheimer, Caravagio, Aviso de película… Muy acertado “Andamio efímero”, cuadro en el que se ve una figura humana sobre el planeta Tierra; “No te preguntes por la belleza”, ante una rosa roja; “Del cine al juguete”; “Dignidad en guerra”; “Éxtasis artístico”, con Rothko por medio… “Memoria de la eternidad o el arte de la memoria” dice uno de los textos del catálogo de la exposición.
 
Maroto se muestra en estos cuadros -todos ellos con pigmento acrílico, como es habitual en la pintora- como una narradora de historias. Unas cartelas escritas con cinco o seis líneas desarrollan el título para contar una historia de ficción y alguna real, que invitan al espectador a la lectura para seguir con ella el icono del cuadro. Sus personajes tienen rostros futuristas, cabezas sin ojos y larga nariz, manos elefantiásicas y dedos prominentes con uñas…, sugerentes, divertidos o dramáticos según el tema representado del que la pintora quiere dejar constancia clara al colocar cartelas explicativas junto a los cuadros.

En suma, una exposición singular, de lenguaje fresco, joven, animada por una paleta que no tiene límites.
 
En otro orden de cosas, Rosa Maroto ha participado recientemente en el libro Dulcinea de ocho pétalos, editado por el Ayuntamiento de El Toboso. Su espléndido dibujo ha pasado al Museo Centro Cervantino del pueblo toledano.
 
Más información:www.issuu.com/rosamaroto
 
Ateneo de Madrid
c/ Prado, 19

Mártires del siglo XX en las Calatravas de Madrid

Icono de los Mártires de Madrid del siglo XX, de Nati Cañadas

Nati Cañada, Pinturas con los Mártires del siglo XX en la iglesia de las Calatravas de Madrid

Julia Sáez-Angulo

La pintora Nati Cañada, residente en Madrid, es la autora de las dos grandes pinturas, que ornan los retablos laterales al altar mayor de la madrileña iglesia de las Calatravas. La Archidiócesis de Madrid ha rendido homenaje y culto a sus mártires, con la presentación de ambos iconos, así como de la Guía Memoriae Martyrum. Santos Mártires del siglo XX, editada por la Biblioteca de Autores Cristianos, BAC.

Los dos grandes cuadros rematados en luneto, pintados por Nati Cañada (Oliete. Teruel, 1946), representan, uno de ellos –Santos Mártires del siglo XX- a medio centenar de los 402 santos y beatos, que dieron la vida por Cristo y su Iglesia durante la persecución religiosa de los años 30 el siglo pasado, particularmente durante la guerra civil de 1936-39 y sus aledaños. Miden 420 x 302 cm.

En medio del conjunto de figuras se encuentra, dibujada en blanco, la catedral de Santa María la Real de la Almudena, patrona de Madrid. la cruz y una Virgen con Niño presiden el cuadro, que lleva la inscripción: Ciudadanos del cielo.

El otro cuadro representa al pontífice Juan Pablo II (1920-2005), revestido de casulla roja, tiara y cruz en su mano izquierda, ante un fondo de columnas de la basílica pontificia. Este papa, también del siglo XX, visitó España en tres ocasiones.

Ambos cuadros acogen el particular estilo de Nati Cañada en tonos dorados y ocres, con ciertos acentos o resaltes de rojos. La pintora aragonesa realizó hace dos años una muestra retrospectiva de su trayectoria artística en Zaragoza y Madrid.

Nati Cañada, que hizo también el retrato del papa Benedicto XVI, expuesto en Monterrey (México), es miembro del Grupo pro Arte y Cultura. La pintora, especializada particularmente en el retrato, ha llevado a cabo el de numerosos mandatarios de Hispanoamérica, así como de escritores como Gabriel García Márquez.

Exposición "Colores de Milonga"

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Exposición "Colores de Milonga"

María Jesús de Frutos, exposición “Colores de Milonga” en la Casa de Vacas de Madrid

Julia Sáez-Angulo

23/05/15.- María Jesús de Frutos expone sus últimas pinturas bajo el título “Colores de Milonga” en la Casa de Vacas de Madrid. La muestra se compone de medio centenar de obras, con el estilo expresionista y colorista que caracteriza a la autora. El cineasta José Luis Garci escribe en el catálogo publicado para esta exposición.

María Jesús de Frutos (Segovia, 1954), residente en Madrid, es profesora de enseñanza primaria y estudió Dibujo y Pintura en la escuela de Nieves Solana y Paisaje con el profesor J. Pedraza y en el III curso de Albarracín. Es miembro y fundadora del colectivo Estudio 7.

Admiradora de la iconografía del pintor francés Toulouse-Lautrec y fascinada por el baile del tango en las calles de Buenos Aires, M Jesús de Frutos decidió tomar el tango y el baile de cabaret o de café cantantes en su repertorio iconográfico central de esta exposición.

En el primer espacio de la Casa de Vacas, la pintora aborda bodegones o naturalezas muertas a gran escala, que restallan de modo vibrante por su colorido. También ofrece dos paisajes urbanos de casas escalonadas al más puro estilo cezanniano, de gran impacto geométrico, referidas a Segovia, su ciudad natal.

En el espacio amplio y central, los cuadros del cabaret, cafés cantantes y los tangos, que ocupan a veces las dimensiones del mural a base de dípticos o trípticos, que hacen más llevadero el traslado de las piezas. Muy bueno el tríptico de la entrada a la exposición, donde los personajes en torno a una mesa cobrar un protagonismo diferenciado de grandes burgueses disfrutando de una copa. La poética es tan intensa que se acerca a la de Georges Grosz, aquel pintor dandy comunista germánico de los años 30 y 40.

De las cuatro parejas de tanguistas, tres cobran asombroso movimiento de danza, digno de elogio.

El resto de obras, a gusto del espectador: posturas despatarradas en la mujeres, muchos muslos, glúteos y senos prominentes, a veces en primer plano, robando la mirada principal y lujo arcaico, alegría alocada y melancolía de estos cabarets que ya fueron y se acercan al burdel con frecuencia.

En suma, una exposición que revela una buena dibujante y colorista, que muestra también sus retratos en el último espacio de la exposición, junto a unas meninas. Buena despedida con un cuadro en blanco y negro, de nuevo con el decadente tema del baile en el cabaret.

La próxima exposición en la Casa de Vacas, que coincidirá con la Feria del Libro en el parque del Retiro, será de la pintora Isabel Guerra, la monja, que siempre había expuesto en la desparecida galería Sokoa de Madrid.

Exposción de Tauromaquia de Sofia Reina

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Exposción de Tauromaquia de Sofia Reina

Exposición de Tauromaquia de Sofia Reina en la Casa de Castilla La Mancha

Julia Sáez-Angulo

“A las cinco de la tarde” es el título de la serie de grabados que constituyen la Tauromaquia singular de la pintora Sofía Reina, expuestas en la Casa Castilla La Mancha. La muestra, que permanecerá abierta hasta el 30 de mayo próximo, fue presentada por José Fernández Sánchez Ruiz, sociólogo y crítico de arte.

“La Casa de CLM de Madrid presenta esta Tauromaquia en la temporada de San Isidro 2015, una oportunidad para verla en el mejor momento taurino de Madrid”, dijo Sánchez Ruiz. “Una oportunidad para retomar el pulso del trabajo de Sofía Reina, una oportunidad para agradecerle su disposición y felicitarla por su dilatada y profunda trayectoria. Y una oportunidad de adquirir algunos de sus grabados. Los artistas también necesitan vender sus pinturas”.

El crítico de arte hizo una amplia semblante de Sofía Reina (Almadén. Ciudad Real, 1952): “La mayor de cinco hermanos y de familia minera, hoy es artista, creadora e Hija redilecta, de su pueblo. Con 19 años, se traslada a Asturias, iniciando sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Avilés. Después en Madrid, asiste a los Talleres de Arte Actual del Círculo de Bellas Artes, y otros puntos de encuentro artístico madrileño, donde con grandes maestros se prepara en grabado, litografía y otras técnicas de estampación.

Su interés en la pintura le lleva desde adolescente a tener presencia en el ambiente pictórico asturiano, con sus primeras exposiciones en Avilés. Incluso en aquellos años el comité de redacción de la “Gran Enciclopedia Asturiana”, la incluyó en la obra.
Después han llegado hasta el momento más de 200 exposiciones, reconocimientos, premios, nombramientos y recompensas de su dedicación a la creación artística Muy significativa fue para su época la que realizo en el Patio de la Cultura, Grupo Tabacalera Madrid inaugurada por S. M. la Reina.

Su obra se encuentra en muchos museos y colecciones privadas de España, Francia, Suiza, Méjico, Reino Unido y Estados Unidos de Norteamérica.

Su trabajo se caracteriza siempre por dos constantes básicas, la presencia de la figura humana y el sentido espiritual que a veces se manifiesta más en lo social y a veces en lo íntimo. Sofía pinta para que otros encuentren en su pintura algo que les haga entender el mundo. Pero también pinta y con mucha intención para los que no pueden entender el mundo porque los tiene abandonados y no solo pinta, sino que pone su obra a disposición de estos, como en los casos de desastres naturales o la ayuda a la infancia de la mano de organizaciones de cooperación.

Si su trabajo, como muestra de su personalidad podemos acercarlo a ese sentido, su obra desde un punta vista mas artístico también podemos acercarla a cuestiones comunes.

La composición de sus piezas dentro de un sentido académico y clásico se mueve entre el modelo del trabajo en diagonal y el modelo del trabajo piramidal, sometiendo en ambos casos los elementos representados a un código de lectura ágil para el ojo humano, que le permite leer las imágenes y su sentido con agilidad. Procurando facilitar el encuentro del espectador con la obra.

Otra característica habitual en su obra es el uso del color, como cuatro reglas básicas para mover la emoción del espectador. En el caso que nos ocupa los grabados con solo tres tintas, negro rojo y amarillo.

Sus bodegones, sus interiores, sus paisajes o sus mujeres a veces resultan tan cercanos a ella que le cuesta trabajo desprenderse de dibujos oleos o grabados. Pero todo su trabajo como he dicho tiene un tinte social y en el caso de esta tarde, la tauromaquia de Sofía esta cargada de lirismo y humanismo en todas las representaciones.

La tauromaquia es en la vida de algunos pintores una asignatura obligada pero en otros se produce de forma natural por el acercamiento al medio del pintor. En el caso de Sofía, en su cercanía a las ganaderías manchegas que ya llenaban los cosos madrileños en el siglo XVII y en su singularidad, vivida junto a la plaza hexagonal de Almadén, hoy monumento nacional. Digna de cualquier visita igual que aquellas tierras con sus minas…… quizás la más antigua de mediados de XVIII

Entre los grandes pintores de la tauromaquia, al margen de la antigüedad tenemos que buscarlos entre los ilustradores y miniaturistas medievales, en los monasterios y en las cantigas. Hasta muy finales del XVIII y principios del XIX no encontramos el tema taurino en la pintura oficial, solo algún pintor secundario se atrevía pintando los animales en el campo. La primera tauromaquia de suertes es de primeros del XIX con las estampas de Pepe Hillo.

Tenemos por tanto que esperar al trabajo documental, casi de reportero, de Goya para ver seréis mas completas hacia 1816 con una colección de 33 estampas y luego la completa y póstuma de 1855. Una obra inigualable que es el precedente de toda tauromaquia posterior.
Tan importante fue el mundo de los toros en la segunda mitad del siglo XIX que todas las poblaciones emergentes quisieron tener su propia plaza.

El arte de la segunda mitad del XIX se lleno de costumbrismo y el mundo taurino en un sentido amplísimo ocupo el lugar que hasta entonces no había tenido. Los románticos poetas y dibujantes como Bécquer y Espronceda o pintores como Villamil, Alenza, Lucas Velásquez, Fortuna o Lizcano entre muchos otros pusieron en el mundo taurino mucho esfuerzo y entusiasmo.
Pero las aportaciones después de Goya consisten en la precisión en el tratamiento del mundo del toro y la incorporación de la arquitectura taurina, de la ganadería…..

Las propuestas taurinas crecieron socialmente en círculos, casinos, tertulias, publicaciones y un centenar de revistas especializadas. Entre esta ultima es de destacar la aparición de “La Lidia” con una tirada de 20.000 ejemplares y sus páginas centrales con cromolitografías taurinas de suertes, escenas anécdotas o personajes, fue ilustrada por los hermanos Perea, bien era Daniel el director artístico, y recogió estampas de la flor y nata pictórica de las dos décadas, Lizcano, Chaves Jiménez…

En estos años los toros tienen un gran protagonismo, las exposiciones nacionales de bellas artes premiaron cuadros de toros y las mismas pinturas nos representaban en las exposiciones Universales. Botón de muestra de este esplendor es la taberna manchega y torera de Antonio Sánchez, cunas de toreros, tertulia y pintura. Aun abierta en la calle Mesón de Paredes.

Entre siglos artísticos; Roberto Domingo da a la pintura taurina un sentido personal, populariza la vida del animal en el campo y el hecho taurino entre los españoles. No hubo casa en sus tiempos y mucho después sin un calendario taurino con sus obras.

El tercer ingrediente de la tauromaquia de Sofía Reina es el trabajo de Picasso. Siendo el primero Goya y el segundo la iconografía del último tercio del XIX.

Picasso es artista enamorado de la vida, y la vida cotidiana y las costumbres y el mundo del toro que vive desde niño; marca transversalmente su obra. Utilizando el rito taurino de la suerte de varas, toro y el caballo, en el Guernika simboliza el negro enfrentamiento de dos mundos.*Ahora admiramos la tauromaquia de Sofía Reina y en ella vemos ante todo la obra de la autora, si bien es verdad que en sus imágenes tienen trazas, de estos grandes hitos. Vemos también en ella, la mano y el corazón de Sofía, que en sus trabajos plásticos anteriores son bien patentes.

Con retazos de esta docena larga de estampas taurinas, podemos componer una historia de la tauromaquia pictórica española. Una aventura de tres colores que nos enseña el mundo del toro del torero, sus suertes y su público. Pero nos lo enseña simplemente, sino que nos lo muestra por dentro y lleno de intenciones.

El trabajo de Sofía con ilusión y con mucho esfuerzo, resulta ahora muy adecuado al momento plástico, es una práctica estética de este tiempo, como ha sido siempre sus pinturas que hemos visto tantos años en la galería madrileña de Rafael García, tan vinculada a los movimientos solidarios y de cooperación.

Pero la obra de Sofía tiene igualmente un compromiso ético de profundidad, con la pintura, en el respeto a la historia de la pintura y su trayectoria como artista, en el respeto al motivo de la pintura presentando en esta ocasión animales toreros y espectadores en sus verdaderas actitudes, destacando la belleza y nobleza del animal y descubriendo la alegría y la diversión en el publico.

Pero igualmente su obra es ética con los espectadores, no enmascara en ella ni el sistema técnico, con sus dificultades, ni sus intenciones de aportar una intención de la artista en la obra, el espectador observa contundente una escena de la tauromaquia acompañada de una actitud y una opinión de la artista.

Esta intención de Sofía Reina que se advierte con muchas ganas de llegar a los espectadores, mide la responsabilidad del artista a la hora de querer contar de querer comunicar y no de caer en la casualidad y el azar. Toda acción de Sofía esta respaldada en el pensamiento y la necesidad de actuar. En este sentido también nos encontramos con el trabajo de una artista inspirada tanto en lo artístico, como en su necesidad de intervenir con su obra, frente a los espectadores.

“Pintura Contemporánea en los Museos Españoles

“Pintura Contemporánea en los Museos EspañolesOscar Alonso Martínez y Teresa Avellanosa, Alymar

“Pintura Contemporánea en los Museos Españoles”, libro editado por Alymar

Julia Sáez-Angulo

Óscar Alonso Molina y Teresa Avellanosa son los autores del libro Pintura Contemporánea en los Museos Españoles, libro publicado por la editorial Alymar. Un recorrido que ofrece una visión general de lo que se ha coleccionado institucionalmente del arte de nuestros días. La presentación del libro corre a cargo de Alfons Martinell Sempere.

Se afirma que el arte moderno terminó cuando el expresionismo abstracto de De Kooning explosionó en Nueva York, ciudad que arrebató el cetro del arte contemporáneo a París. De aquí llegó la posmodernidad ¿Hasta cuando durará el arte contemporáneo? Eso esta por ver y decidir por los historiadores ante un acontecimiento que sea un hito clave.

En el libro Pintura Contemporánea en los Museos Españoles, Alonso Molina explica “Los vanguardismos” (1900 – 1939), seguido de “Arte después de una guerra” (1939-200) y “Nuevas Generaciones” (1975 – 2000). Seguidamente, Teresa Avellanosa aborda el asunto de los museos españoles por comunidades autónomas.

“El mundo posmoderno ha exigido a la pintura para su reconocimiento inéditas capacidades de hibridación con otros lenguaje y componentes, así como su continuo cuestionamiento metalingüístico como paso primero para atender su potencial enunciativo (recuérdense aquí aquellas prácticas apropiacionistas de los ocheta, ejemplo extremo)”, dice Alonso Molina.

“Voces afirmativas en este sentido, y otras mucho más minoritarias que le otorgan todavía independencia con respecto a otras disciplinas artísticas, enriquecen en la actualidad el debate sobre su pertinencia dentro de las artes, transformándola en información, “imagen”, un dominio social compartido por una comunidad de intereses estéticos específicos, secuencias de un proceso, espacio de contaminación, depósito del imaginario colectivo, etcétera”, concluye el crítico de arte.

para Alonso Molina: “mediáticos y democráticos hasta niveles que vuelven contradictoria su original estructura interna, los museos de nuestros días se enfrentan a uno de sus episodios más conflictivos, yo diría que incluso decisivos. Entre el parque temático y el centro de ocio, ligados a la experiencia inauténtica del pastiche y el consumo, respectivamente, dudando entre convertirse en centros de arte emergente –por definición sin memoria: fondos, colección permanente, metarrelato- o museos a la antigua, necesariamente restrictivos…”

El libro con profusión de fotografías en color, es un buen manual indispensable sobre el arte contemporáneo en España y una visión global sobre sus museos.