Usted está aquí: >>> Crítica >>> Crítica de arte
Crítica de arte
Pilar Sagarra expone “Presencias & Percepciones”
| Klicken Sie hier, um zur Galerie zu gelangen. |
Presencias & Percepciones, de Pilar Sagarra
Pilar Sagarra expone “Presencias & Percepciones” en la Galería Eka & Moor de Madrid
Julia Sáez-Angulo
(Miembro de la Asociación Internacionalde Críticos de Arte)
La artista Pilar Sagarra expone sus últimos trabajos artísticos en la galería Eka & Moor de Madrid. La muestra permanecerá abierta hasta el 12 de marzo de 2014.
Pilar Sagarra, nacida en Aragón, reside en Madrid.
El punto de partida de la pintura de Pilar Sagarra ha sido el color como esencia del gesto en el acto de pintar. Un color bravo y audaz, no por ello exento de armonías en la obra plástica. Así se ha podido seguir en su trayectoria profesional jalonada en sus últimas series artísticas rotundas como Sensaciones, Deseos del alma, Espacios enigmáticos, Alegría de vivir, Presencias & Percepciones…
El óleo fue el pigmento clave en la primera etapa pictórica de la autora, pero paulatinamente sus obras se han ido enriqueciendo en sus investigaciones plásticas con distintos soportes, materiales y pigmentos, que a todas luces han dotado a su trabajo de una plasticidad y belleza renovadas, de interés mayor.
El mismo color de la pintura de Sagarra se ha dinamizado con la presencia de nuevos elementos llegados con las técnicas aditivas, los acentos fosforescentes, el collage, el plexiglás, los grabados calcográficos, textiles, impresiones digitales… Y todo ello con una relevancia del soporte, que sin renunciar al lienzo, se hace especialmente presente en el metacrilato.
La obra gráfica es otro capítulo importante del trabajo artístico de la pintora. El papel oriental, hecho a mano y estampado con aguatintas y aguafuertes… de no muy largas tiradas, es intervenido por Sagarra con gofrados, recortes de otros grabados o collages para lograr una textura rica y una presencia más rotunda.
(Junto a los grabados, las impresiones digitales que la autora lleva a cabo a partir de sus propios cuadros, obras únicas, que a su vez son intervenidos con pigmentos para evitar una serificación monocorde.)
Las palabras y el letrismo se han introducido en algunos de sus cuadros y lanzan mensajes lúdicos o irónicos al espectador de la pintura: “Vuelta a los cuentos de hadas”, “La vida es sueño”, “Divino tesoro”, “Fiesta para los sentidos”… La pintora quiere entablar un curioso diálogo entre el lenguaje plástico y el verbal que se introduce en los cuadros. Un guiño juguetón que dinamiza la interpretación del cuadro.
También se añaden objetos diminutos, casi juguetes sobre los lienzos de la pintura, sobre todo mariposas endurecidas de alegre cromatismo o algún nano juguete, como un avión que reposa sobre la obra.
En cuanto a los temas abordados, la artista no tiene límites: desde los interiores silenciosos, transparentes al jardín, a la naturaleza, poéticos, con ciertos ecos de Bonnard, a las recientes tauromaquias, pasando por paisajes naturales o urbanos de cromatismo pop, subrayados por líneas dibujísticas y barridos de driping o ligero goteo automático.
El último pistoletazo de Pilar Sagarra han sido los muebles: mesas, sillas, biombos… en su mayoría de metacrilato, todos ellos intervenidos con el lenguaje plástico de la autora, un lenguaje que conlleva el color vibrante y fosforescente, el ritmo de líneas que esboza las formas y apunta los temas, para fraguar la mirada singular de quien crea el arte y confrontarla con la del espectador.
La pintura detrás del soporte transparente, el metacrilato, es un logro mágico, que requiere una maestría singular, para plasmar con acierto los primeros planos y seguir hacia atrás hasta llegar a los fondos, en algunos casos el propio lienzo crudo que permite colgar la obra sin deteriorar el metacrilato. La transparencia del material permite establecer el ansiado espacio intermedio, que disocia en apariencia el soporte y el pigmento, para hacer visible el aire entre ambos.
Conceptualmente, Sagarra reparte su intención y visiones en los distintos trasuntos que aborda: Hay una mirada muy simbólica en los bodegones e interiores, estos últimos parecen reflejar el eco de una estancia evocadora, de ausencias recientes. Hay en estos cuadros un reflejo de la introversión de la autora, para mostrar sin querer decir. Los objetos y los lugares interiores hablan de un mundo propio no exento de silencios, introversión y tensiones calladas.
Los paisajes naturales, por el contrario, parecen llevarnos a la calma, el descanso y la paz, que sólo la naturaleza es capaz de inspirar a la pintora; no ocurre lo mismo con los paisajes urbanos en los que el ritmo, la velocidad y la vorágine de la urbe –principalmente Madrid, por ser la ciudad de la pintora- se hace presente en los trazos de las líneas y ritmos del color que llevan a una precepción pop de su pintura.
El arte es mirada inteligente y emocional, destreza plástica y creación de conceptos. A la vista de lo realizado por Pilar Sagarra, cabe afirmar que ella es una artista pluridimensional, que sabe, como dijera Leonardo Da Vinci, que la belleza pertenece a la vida, pero se hace inmortal en el arte.
Héctor Delgado Escultor de la imagen Virgen Feliz
| Klicken Sie hier, um zur Galerie zu gelangen. |
Héctor Delgado Escultor de la imagen Virgen Feliz
Héctor Delgado Escultor de la imagen Virgen Feliz en mármol para África
Julia Sáez-Angulo
EL escultor madrileño Héctor Delgado ha esculpido en mármol de Macael una imagen de la Virgen con Niño, denominada la Virgen Feliz por su alegría ante la mirada del Niño Jesús, su hijo.
La obra ha sido un encargo de un estudio de arquitectos de Madrid, por Juanjo Soria, para un centro religioso de África y está realizada con mármol de Pérez Soria de las canteras de Macael en Almería. “La piedra tiene vetas circulares que infunden cierto ritmo a la escultura, afirma Héctor Delgado.
La Virgen Feliz se llevó a cabo en la almeriense Isleta del Moro, donde Héctor Delgado y Jaime Aumente residieron hasta que terminaron la escultura.
La escultura forma marte de un proyecto que incluye escultura, fotografía y poesía, que será publicado en un catálogo libro en un futuro inmediato. Jaime Aumente poeta, colaborador con el escultor intervendrá en el libro.
Frente a las vírgenes dolorosas, Héctor Delgado ha mostrado su satisfacción por esculpir una Virgen alegre, porque es madre de un Niño y la veta de mármol que aparece en su cara “contribuye a acentuar el hoyuelo de su sonrisa”, asegura.
“Una virgen-feliz,es un encuentro entre una mujer, madre (de Jesús) y una situación entre dos personajes muy especial por lo que es para los dos y lo que significa: Madre e hijo; la vida continúa; es algo único y un prodigio”, dice Héctor Delgado.
“Desarrollar una pieza de esta dimensión es un placer como un lucha por encontrar tu espacio entre la piedra, la forma el sentimiento y el lugar, Todo ello te envuelve en una magia divina que se va cada vez haciendo más grande y cada vez más, se ve la forma más cercana, mas viva”, añade el escultor.
“Cada día, cada rayo de luz-sombra -cada momento quitando un trozo de mármol y creando otro, saliendo una forma -estructural, inmensa -bella – dulce. A alguien como yo me hace sentir un elegido, un creador. Un privilegio que muy pocos lo ven y lo sienten”.
Homenaje a El Greco de José Luís Romeral
| Klicken Sie hier, um zur Galerie zu gelangen. |
Homeaje a El Greco, de José Luís Romeral
Romeral expone su Homenaje a El Greco en la catedral de Getafe
Julia Sáez-Angulo
El artista José Luis Romeral ha llevado a cabo un homenaje pictórico a El Greco (Domenicos Teotocopoulos, Candia. Creta, 1541 – Toledo, 1614) con motivo del IV centenario de la muerte del pintor toledano nacido en Creta, homenaje que lleva por título Doménico. Interpretando a El Greco. Medio centenar de obras entre pinturas y esculturas de Romeral se muestran en la madrileña catedral de La Magdalena de Getafe hasta el 2 de marzo de 2014.
En el atrio de la citada catedral se muestra un singular políptico que representa el célebre cuadro “El entierro del Señor de Orgaz” , llevado a cabo por 42 pintores del colectivo La Carpa, integrado por artistas de la localidad de Getafe, que cuenta con más de ciento cincuenta mil habitantes. El cuadro se encuentra también en el interior de la catedral, en una recreación de José Luis Romeral (San Martín de Montalbán. Toledo, 1952) de 146 x 114 cm.
Doménico. Interpretando a El Greco es una magnífica exposición en la que Romeral muestra su imaginación y destreza para reinterpretar a El Greco con su propio lenguaje plástico, desenvuelto y contemporáneo, que sabe retomar la figuración de los cuadros originales del pintor cretense y reelaborarlos con una pincelada más abierta que sintetiza la forma en la composición.
De “El Expolio” y “La Asunción”, el autor ha realizado tres versiones, porque “contemplando el cuadro original de El Greco, el propio pintor te abre caminos diferentes”, declara Romeral con entusiasmo. La figuración va deshaciéndose hasta hacerse casi simples campos de color.
Una de las piezas más impresionantes es el retrato de Fray Hortensio Félix de Paravicino en gran y mediano formato por parte de Romeral. El resultado es soberbio por su capacidad expresiva. Algo similar cabe decir del cuadro Crucifixión, casi en blanco y negro, rodeado de un grueso grafismo a modo de marco pintado que Romeral repite en algunos cuadros.
Siete esculturas pueden verse en esta exposición de la catedral de Getafe, que más adelante se presentará en Illescas –donde hay unas soberbias pechinas de El Greco en su iglesia-, el Centro Cultural Nicolás Salmerón de Madrid y Toledo entre otras ciudades. Las esculturas con materiales como el metal, la madera y la piedra juegan de modo tridimensional con la imágen de los cuadros del pintor cretense. Un paisaje de Toledo se ha fundido en bronce y se muestra junto a un cuadro que igualmente representa el paisaje de la Ciudad Imperial.
La catedral de Getafe es espléndida en amplitud, pero depende de la luz natural para iluminar la pintura -por definición necesitada de luz -que muestra en torno a las grande columnas y en las paredes, así se dio la circunstancia en mi visita del 10 de febrero, que a las 11,30 estaba muy oscura y se veía la pintura con dificultad, mientras que poco más tarde un sol espléndido permitió que los cuadros restallaran con todo su esplendor cromático.
Dado que la catedral de Getafe se dedica a exponer arte sacro y eso le honra, debiera hacer un esfuerzo para mostrarlo de manera más adecuada con luz que focalice y potencie las obras.
Exposición "Reflexiones Femeninas"
la comisaria y artista Linda de soua con algunas de las artistas expuestas.(Fotos: Juan Jiménez )
Reflexiones Feminas”, exposición para el Festival “Miradas de Mujeres”
Julia Sáez-Angulo
La exposición en Lanzarote15Arte, se inscribe dentro del Festival Miradas de Mujeres que tiene lugar en al región de Madrid. La muestra, que ha sido comisariada por Linda de Sousa, permanecerá abierta durante todo el mes de marzo de 2014. La inauguración seguida de una gran fiesta contó con numerosas artistas y críticas de arte.
Las artistas participantes en la exposición son: Pilar Carpio, Marta Cuezcva, Rosa Gallego del Peso, Lian Katsuki, Paloma Peláez Bravo, Cleusa Rossetto y Linda de Sousa
“Todas ellas tratan de transmitir por medio de su obra una visión heterogénea del Discurso Femenino Contemporáneo buscando que esta enriquezca el panorama artístico actual desde sus diferentes puntos de vista”, explica la comisaria Linda de Sousa..
“Buscan construir su discurso desde la óptica femenina, usando la interpretación iconográfica de su imagen crítica - una de las características del arte actual – esta es la principal idea de este proyecto. La exposición intenta ofrecer una lectura coherente y articulada de los postulados de siete artistas, dos brasileñas, cuatro españolas y una luso-española, cuyos distintos enfoques tanto tradicionales como conceptuales, diferentes pero no enfrentados hacen que cohabiten y se enriquezcan mutuamente”.
Representación icónica de las mujeres
Julia Sáez-Angulo, de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, ha escrito el texto del catálogo “Reflexiones femeninas sobre la Mujer” en el que dice:
“La representación icónica de la mujer ha corrido tradicionalmente a cargo de los artistas varones, sobre todo en el desnudo, como bien afirman las Guerrilla Girls en su célebre pancarta frente al Metropolitan Museum of Art of New York (¿Es que las mujeres han de desnudarse para entrar en los museos? El 3% de los artistas del MET son mujeres, pero el 83% de desnudos son femeninos.)
El ariete de las mujeres creadoras, hoy más numerosas que los hombres en las Escuelas de Bellas Artes, empuja y quiere dejar también las reflexiones conceptuales y plásticas sobre la mujer en su vida y trabajo. Las cosas van cambiando aunque sea con lentitud.
Esta exposición abarca el testimonio de siete artistas de diferente generación y técnicas: pigmento, fotografía, dibujo, instalación… Tienen mucho que decir con su presencia y contraste y lo hacen especialmente durante el mes de marzo, en el que se pretende dar visualidad al arte realizado por mujeres, con frecuencia aparcado simplemente por inercia.
Arte de mujeres creadoras para la sociedad, para coleccionistas hombres y mujeres. Arte de personas, de artistas reflexivas sobre su propia condición de mujeres.
Los textos, videos y audios de esta web están protegidos por el Copyright. Queda totalmente prohibida su reproducción en cualquier tipo de medio o soporte, sin la expresa autorización de sus titulares.
Editanet © Copyright 2013. Reservados todos los derechos